MERIENDA CON...

 Desde el pasado mes de Noviembre  la Sala Amadis, INJUVE situada en la calle Ortega y Gasset, 71, organiza meriendas culturales con diferentes artistas de nuestro país.
Las plazas a estos eventos son limitadas, es necesario confirmar asistencia mandando un mensaje a su correo.
 Tuve la oportunidad de asistir al primer encuentro que organizaron  a la Merienda con... EL DISEÑO, donde el invitado era el diseñador Javier Abio, co- propietario de la revista Neo- 2. Fue un encuentro de 3 horas que se dividió en dos partes.
La primera parte, en la que los organizadores de estas reuniones nos contaron que este tipo de eventos  iban a llevarse a cabo hasta el mes de marzo de momento cada martes y hicieron que cada uno de nosotros nos presentáramos y contáramos un  poco a que nos dedicábamos en estos momentos. La  sorpresa de esto fue que no todo el mundo era gente que estudia  arte o se dedican a ello si no que también había gente de otras ramas que aportaban puntos de vista diferentes a la hora de abarcar cualquier tema sobre el trabajo. En esta parte los organizadores nos plantearon temas como: si nos parecía justo lo que cobraba los ayudantes que realmente aportaban las ideas  a un diseñador o las paginas en las que por ejemplo pagaban 200 euros, para que 30 diseñadores trabajen para luego elegir solo a uno. y como ya he dicho anteriormente cada uno aportaba opiniones diferentes según el punto de vista de la carrera que estudiaban o de lo que se dedicaban y fue muy interesante.

En la segunda parte se incorporo con nosotros Javier Abio y nos planteo cinco supuestas afirmaciones sobre los diseñadores:

- SOBRAN DISEÑADORES: algo que obviamente es mentira,  pues hay  en muchas especialidades del diseño en las que no hay prácticamente diseñadores, por ejemplo diseñadores de perfumes.

- LA FUNCION DEL OBJETO ES MAS IMPORTANTE QUE LA ESTETICA: la estética y el mensaje es muy importante en el diseño.

- UN DISEÑADOR NO DEBE DE SEGUIR LAS TENDENCIAS: las tendencias nos sirven para situarnos, pues es difícil crear una tendencia, sin saber las tendencias que hay.

- UN DISEÑADOR NO PUEDE SALVAR EL MUNDO PERO UN CIENTIFICO SI.

- A LOS DISEÑADORES LES GUSTA COCINAR.

Después de compartir con nosotros estas ideas, llegaron las preguntas de los asistentes y los consejos que este diseñador nos dio:
- No caer en la repetición
- Ser creativo
- Trabajar duro: observar y aprender todo lo que puedas
- Ser tu propio dueño, tu propia empresa.

Estas reuniones son oportunidades únicas y muy enriquecedoras, yo solo pude asistir a esta porque para las demás estaba ocupada los días que se organizaron y os aconsejo que si podéis asistir lo hagáis  porque saldréis con muy buenas sensaciones.

Un saludo.

DESPUES DE MUCHO TIEMPO...

Hola de nuevo, después de prácticamente un mes sin pasarme por aquí, dado que en casa no tengo internet y por algunos problemas que el internet de la universidad ha tenido, hoy por fin vuelvo para contaros algunos de los acontecimientos a los que he asistido durante este tiempo y de cosas interesantes ocurridas en clase. Aunque todo os lo iré contando poco a poco, pues los ratos de los que dispongo de este cacharro son pocos y muy cortos, para hacer todas  las cosas pendientes.

Exposición de Francisco Ibáñez

después de la exposición de Richard Hamilton , me entere que en el Circulo de Bellas Artes estaba y sigue estando la exposición de Francisco Ibáñez y no perdí ni un segundo para ir, pues desde pequeña mi padre me enseño muchos comics de el y me pareció interesante asistir.

Antes de ir estaba ilusionada, me imaginaba las ilustraciones hechas por el todas colgadas y poder ver en persona los primeros dibujos a tinta antes de llevarlos a imprenta pero desgraciadamente no fue así...

Francisco Ibáñez ( Barcelona, 1936) es el creador, dibujante y guionista  de los personajes más famosos del tebeo español, Mortadelo y Filemón, El Botones Sacarino o Pepe Gotera y Otilio.

Esta es una pequeña presentación del autor que hacen en la pagina del circulo de bellas artes. Obviamente también hacen una presentación de lo que podemos ver en ella como que " Efectúa  una aproximación a la biografía  del ilustre dibujante y a la génesis de sus principales obras y personajes" efectivamente hace un recorrido sobre toda la vida artística del autor con todo tipo de detalle  pues para ello ya se encargan de dejar una pared entera para ponerte por escrito toda su vida, mas el resto de paredes que van añadiendo cada vez mas información hasta la actualidad. Entre estos textos encontramos vitrinas con revistas y comics  desde los años 50 hasta la actualidad. “Reúne mas de 100 revistas publicadas, una alta recopilación de artículo de merchandising y una serie de dibujos." Y llegados a este punto todo lo que dicen en la pagina es absolutamente verdad, aunque la serie de dibujos  que están  al final de esta pequeña exposición es muy escasa, te dejan con el sabor de boca de ver muchos más porque es realmente bajo mi punto de vista lo que realmente merecía la pena ver y con lo que más ilusionada estaba.

El resto de la exposición a mi no me llamo nada la atención, pues las mismas revistas y comics que te enseñaban en las vitrinas, algunas de ellas los puedes conseguir  al final de la exposición o en cualquier librería o simplemente si vuestros padres leían alguna de estas revistas y aun lo conservan puedes tenerlo...

En mi opinión es una exposición que me dejo con un mal sabor de boca, pues lo  que mas merece la pena son los artículos de las revistas mas antiguas y los dibujos a tinta, aunque como ya he dicho anteriormente me quede con ganas de ver muchos más dibujos y no tanto papel impreso. No obstante para todos los que se quieran acercarse  a ver la exposición estará hasta el día 18/01/2015 en el Circulo de Bellas Artes.

RICHARD HAMILTON

Esta exposición estaba situada en el Museo Reina Sofía hasta el lunes 13 de Octubre 2014.

 Me recomendó esta exposición una amiga dos días antes de que acabara. La verdad no sabia nada de este autor y antes de ir busque un poco sobre su trayectoria y con la información que encontré me dio aun mas curiosidad por ver sus obras, pues me pareció bastante interesante. 

Se le suele atribuir la paternidad  del Pop Art, pero también fue autor del apropiacionismo ( el arte de apropiarse del arte) y de muchas otras tendencias. Hijo artístico de Duchamp, la ironía y el juego forman parte de sus  reflexiones críticas y sus permanentes investigaciones.

Con más de 270 obras, divididas  en 14 zonas, por orden cronológico, aunque en mi opinión  las zonas no estaban bien organizadas, pues entre la zona 2 y la 3 se encontraban la 4 y la 7 y era un poco confuso, era como jugar al escondite con las zonas. La exposición fue proyectada por el propio artista en 2010, un año antes de su muerte.

Después de haber buscado información sobre este autor, la exposición me pareció muy completa, desde sus inicios en el arte con sus grabados que muestran el interés por lo mecánico y los diafragmas científicos, pasando por trabajos inspirados  por su mayor referente Duchamp. Por el Pop, al que Hamilton denominaba como "popular (creado para un publico masivo), transitorio (solución a corto plazo), prescindible (se olvida fácilmente), de bajo conste, producido de forma masiva, joven ( dirigido a los jóvenes), ingenioso, sexy, efectista, glamuroso y un gran negocio". Con el Pop nos mostraba al hombre y a la mujer del momento. También podíamos encontrar las fotos con su polaroid en la que pidió a varios artistas que se las hicieran. Hasta llegar a sus últimos trabajos, en los que Hamilton muestra imágenes de protesta  e interiores  donde modifico las imágenes originales mediante el añadido de nuevos elementos, vuelve a meter collage en sus obras y vuelve a la obra de Duchamp, metiendo desnudos.

Esta exposición me aporto conocimientos sobre un autor que no conocía y la curiosidad de seguir descubriendo cosas sobre el y conocer mas sobre sus trabajos, fue una exposición muy gratificante.

YOSHIHIRO SUDA y STEPHEN SHORE

Este fin de  semana pasada ha sido muy intenso en cuanto a exposiciones pues a falta de una, tres ya que a la de " Estampa" con las invitaciones que teníamos no se podía acudir. Digo tres exposiciones por que aunque en este apartado solo explico la de Yoshihiro Suda y la de Stephen Shore, también acudí el lunes 13 de octubre a la exposición de Richard Hamilton, que ya explicare mas adelante.

YOSHIHIRO SUDA

Podemos encontrarla en la Galería Elvira Gonzalez situada en la calle General Castellano, 3 en Madrid.
Esta compuesta por cinco obras, cinco esculturas de flores y hojas diminutas con todos sus detalles, son unas piezas realmente realistas, hay que fijarse muy bien para comprobar que no son de verdad, parecen estar hechas con una delicadeza y una paciencia increíble. Pero lo que es aun mas impactante que las piezas en si es el juego que podemos encontrar entre el espacio y las esculturas de Suda pues para suda las obras son solo la mitad de la obra, la otra mitad es su instalación. Esto lo podemos comprobar nada mas entrar a la galería, pues realmente da la sensacion de vacío, de que hay algo que falta que nos hemos dejado por ver.
Al terminar de ver la exposición realmente viví esa sensacion me sentí incluso perdida, no sabia si realmente había mas o era una especie de broma, era como jugar al escondite y tengo que reconocer que esta sensacion me gusto, pues  me hizo pensar en una manera diferente de representar el arte, fue algo especial.

STEPHEN SHORE

Esta exposición de fotografía la podemos encontrar del 19 de septiembre al 23 de noviembre en la FUNDACION MAPFRE en la sala de exposiciones Bárbara de Braganza situada en la calle Bárbara de Braganza, 13. Es la exposición más completa realizada hasta el momento de este autor.

Stephen Shore es un autodidacta en la fotografía empezó desde pequeño con una cámara de 35mm y un cuarto oscuro de revelado que le regalaron con tan solo seis años. A partir de ese momento Stephen no dejo de crecer en el mundo de la fotografía descubriendo la fotografía en color y pasando de una simple cámara de juguete a una cámara profesional. En sus fotografías podemos encontrar imágenes de paisajes, de escenas de la vida cotidiana y de ciudades por donde viajaba, pero todas estas imágenes tienen una peculiaridad pues no siguen ningún "canon fotográfico" Shore en su fotografía imitaba de forma consciente los rasgos de la estética amateur.

Shore investiga durante casi toda su obra sobre lo que él define como snapshotness, donde lo que es la mejor expresión para él, para nosotros los espectadores podríamos interpretarlo como error como algo que cualquiera en ese momento con  una cámara en sus manos podría haberlo hecho sin ningún problema.

En mi opinión la obra de Stephen Shore, al principio a simple vista da la sensación de que cualquiera de esas imágenes las puede sacar cualquiera, pero la pregunta es ¿ realmente las personas en general nos paramos a hacer fotos de todo lo que hay en nuestra vida cotidiana?, yo creo que no, ahora nos dedicamos a posar y a sacar los monumentos más representativos del lugar donde estemos y realmente no nos damos cuenta que cada momento, cada cosas que hacemos es único en la vida, que  nunca se volverá a repetir de la misma manera al igual que un simple cartel no se volverá a ver de la misma manera otro día  diferente, tendrá otra luz, o estará magullado o simplemente llegara un día que no este.

¿QUIEN DICE QUE UN ARTISTA ES UN ARTISTA?

Podemos pensar que un artista, o mejor dicho que el termino "artista", se le otorga a una persona con expediente académico brillante, alguien que tiene una carrera de arte o simplemente a una persona que pinta aunque no tenga ningún tipo de titulo, pero esto no es así.

En realidad quien dice que un artista es un artista son las galerías, los museos, los críticos, las subastas...Es decir, en el momento que una obra tiene un valor, un valor económico, sea como sea esta, el autor de dicha obra ya es considerado artista. 

Llegue a esta conclusión, después de debatir este tema que  la profesora nos propuso  en clase. Al llegar a casa sentí la curiosidad de investigar por Internet las diferentes opiniones que tiene la gente. Pues bien después de mirar varias opiniones comprobé que muchas personas de las que opinaban sobre este tema recomendaban el libro de " Las reglas del arte" y " El sentido social del gusto" de Pierre Bourdieu ( sociólogo relevante del siglo XX), en los cuales encontré algunos fragmentos bastante interesantes:

• "No es el artista quien hace al artista sino el campo, el conjunto de juegos"

• "El artista es aquel de quien los artistas dicen que es un artista o bien, el artista es aquel cuya existencia en cuanto artista esta en juego en ese juego que llamo campo artístico. O incluso, el mundo del arte es un juego en el cual lo que esta en juego es la cuestión de saber quien tiene derecho de decirse artista y, sobre todo, de decir quien es artista"

• " Ese mundo( el del arte) es un mundo social entre otros, un microcosmos que, tomado del macrocosmos, obedece a leyes sociales que le son propias. Eso es lo que significa el termino AUTONOMÍA: es un mundo que tiene su propia ley ( nomos), en el cual hay apuestas sociales, luchas, relaciones de fuerza, capital acumulado".

Aun sin ninguna conclusión definitiva, me despido hasta la siguiente entrada en la que seguiremos debatiendo temas de este mundo. 

                                                      EL MUNDO DEL ARTE.